ELISIRart

2012-01-23T14:34:00.000+01:00

2011-12-03T15:15:00.004+01:00

ELISIRart

presenta

MARTINO CUSANO

I NUMERI PER DIRLO

solo photo exhibition

a cura di ELISA GOVI

Galleria RILIEVI contemporary art

Via della Reginella 1a, Roma | 06.95223340

dal 10 al 18 dicembre 2011

dal martedì alla domenica, ore 14/19 | altri orari su appuntamento

inaugurazione sabato 10 dicembre, dalle ore 18,30

catalogo disponibile in Mostra / catalog available in the Gallery

Sono 287 i volti, ritratti in bianco e nero. Altrettanti i numeri, sempre diversi, a segnare la pelle di ognuno. Sono “I numeri per dirlo”.

Lo schema di ripresa fisso ha informato la ricerca: pellicola medio formato, inquadratura e luce costanti su fondo neutro, obiettivo 120 mm con tubo di prolunga.

Sospeso il pregiudizio selettivo del fotografo, le persone hanno scelto di partecipare, invitate a porgere il profilo sinistro e ad indossare il numero. Ritratti. Ognuno mette in atto una rappresentazione, facendo proprio lo spazio, la luce, l'inquadratura comuni. Facendo proprio il numero, che vediamo nitidamente piegarsi, farsi mero testimone di personalità. Numeri portati al guinzaglio, da abili indossatori. Identità comuni, aperte al riconoscimento di chi guarda; il punto di ripresa molto ravvicinato infrange la sfera di protezione del soggetto, ogni scatto è un atto di accoglienza, è relazione, che invita a prendere parte, mentale ed emotiva. Ogni ritratto è rappresentazione di sé e inevitabilmente di una categoria, di una inclinazione, di un dato ordinario. E' Insieme effige e simbolo. Un progetto corale, per premesse ed esiti di ricerca.

Se realizzare l'indagine ha significato stabilire con il mondo una relazione di investigazione sperimentale, osservare queste immagini oggi è fare un viaggio di riflessione intenso, che ha bisogno di agilità. E' un esercizio mentale stuzzicante.

Il punctum contro il quale lo spettatore si scontra, ad ogni scatto, è una apparente dicotomia: da una parte il numero, marchiato su ogni volto, emblema di disumanizzazione. Il tabù culturale. Di contro l'evidenza urlante dell'individuo, che immancabilmente colpisce, attrae, emoziona, invita ad entrare. “I numeri per dirlo” è un progetto-concetto, che svela il conflitto e ne evidenzia al contempo la soluzione. Lo scontro si scioglie nella eloquenza di un panorama sufficientemente differenziato di umanità, in grado di provare la unicità irripetibile e imperscrutabile di ogni persona, a partire dal ventre materno. Fermandosi davanti a questo tipo di documentazione ci si sorprende a inseguire vite che non potrebbero mai confondersi e che pure ci sembra di riconoscere. Il ritratto ha una peculiarità spirituale, come esito che conduce in unità le molteplicità degli elementi del mondo. Il volto sintetizza il coesistere delle cose nello spazio e nel tempo all'unità di una immagine, di un concetto, di un pensiero. In ognuno di questi volti c'è il Tutto. Lì è custodita la forza di cui sono portatori, rispetto agli intenti del progetto, al di là di ogni significato di rappresentazione. Tutti esprimono l' intensità di un universo unico e insieme condiviso, con una storia davanti e dietro di sé. Febbrile farsi portare via dalle libere interpretazioni che le persone coinvolte hanno affermato, dare respiro agli sguardi, lasciarli parlare. All'inizio del suo saggio sul significato estetico del volto, Georg Simmel scriveva che “il ruolo incomparabile che spetta al volto umano nella cerchia degli interessi delle arti figurative” è determinato “dal fatto che nella forma del volto l'anima si esprime nel modo più chiaro”. Cosa volete che sia un piccolo numero al cospetto di tanto? Un decoro, un segno da indossare. E' il numero anzi a farsi testimone di unicità, a riempirsi dello spirito del soggetto, a denotarsene. Portatori sani di numero, questi individui.

“I numeri per dirlo” smentisce il concetto di ripetizione o catalogazione delle premesse e tocca al centro un cardine del nostro background culturale. E' la rivincita del principio di unicità sulla standardizzazione del pensiero indotta da archetipi comuni che qui assistiamo crollare, nella evidenza della forza vittoriosa e irrefrenabile che attiene al mistero infinito dell'esistenza.

Martino Cusano studia e si occupa di comunicazione dal 1985, dopo avere frequentato il I.E.D. di Roma. La ripresa analogica e la stampa in bianco e nero sono da sempre una costante del suo linguaggio fotografico. Dal 1986 l’autore si esprime in maniera autonoma come reporter free-lance, collaborando e creando reportage per testate giornalistiche. Nel 1989 tutte le attività si convogliano nella creazione dello studio “Fotorecezione”, mentre nel 1995 a Latina avvia il progetto “Stamperia San Marco 14”, con servizi dedicati a stampa manuale e ripresa fotografica, che presto diventa polo di riferimento in un circuito di mostre, eventi e interazioni di settore. Le esperienze di ricerca e produzione sul territorio si sono focalizzate sull’architettura razionalista, concretizzandosi in diverse pubblicazioni di alto profilo qualitativo. Nel 2000 realizza “Littoria in rilievo”, rivisitazione notturna, realizzata con luci mirate ad enfatizzare le opere d’arte, legate allo specifico periodo storico e architettonico dal quale prende il nome il progetto. Nel 2001 ha curato la documentazione di una mostra itinerante dedicata agli affreschi del 1400 contenuti all’interno dell’Oratorio della SS Annunziata di Cori. Nel 2003 ha realizzato una pubblicazione fotografica in b/n dedicata alle scale di palazzi e abitazioni del centro storico di Latina. Dal 2010 l'Autore si dedica inoltre alla creazione di luci per ambienti privati e pubblici, integrate con la funzione di arredamento. Il progetto fotografico “I numeri per dirlo” ha visto la luce a partire dal 2005.

Contacts

www.elisirart.blogspot.com | elisir.art@gmail.com

www.martinocusano.com | info@martinocusano.com

2011-11-19T10:45:00.000+01:00

ELISIRart

presenta

RODOLFO ROCCA

ANIMAL LANDSCAPE

photo exhibition

Galleria RILIEVI contemporary art

Via della Reginella 1a, Roma | 06.95223340

dal 25 novembre al 4 dicembre 2011

dal martedì alla domenica, ore 14/19 | altri orari su appuntamento

inaugurazione venerdì 25 novembre, dalle ore 18,30

“Cavallo, cane, gatto, mucca, pavone, anatra” parole che evocano immediatamente e in modo inequivocabile una determinata immagine, associandosi a idee e forme condivise in quanto riscontrabili in esperienze dirette, basate su dati reali e verificabili per cui è facile intendersi. Ciò vale, in effetti, per il referente di tipo reale esistente o esistito, come un cane o un dinosauro, ma anche per il referente di tipo immaginativo, come un drago o una chimera, che nessuno ha mai “conosciuto” direttamente ma che, attraverso rappresentazioni e storie riportate nel tempo, risulta in genere riconoscibile da chiunque cosicché, attraverso processi condivisi, la fantasia stessa tende ad assumere consistenza reale. Ma quando si perlustra il soggetto a distanza ravvicinata, evitando la morfologia complessiva per estrapolarne particolari emergenti e abbandonando la riconoscibilità immediata, si entra in un mondo diverso in cui il dato reale perde di significato oggettivo assumendo valore astratto, simbolico o analogico. È allora che la porzione di questo particolare territorio, considerato dal punto di vista prospettico o descrittivo, trattato con senso affettivo ed associato a valutazioni di ordine diverso, diventa un paesaggio che, come tale, può essere “incantevole”, “squallido”, “pittoresco”, “melanconico”, se riportato a valutazioni di ordine artistico o estetico oppure “montano”, “desertico”, “lunare” se riferito a valutazioni di ordine geografico. È vero, infatti, che il paesaggio può essere letto indifferentemente da entrambi i punti di vista legati a stati diversificati : di tipo affettivo-soggettivo connessi alla vita interiore o di tipo cognitivo-oggettivo riferibili al corso esperienziale ancorché le due visuali possano arrivare ad integrarsi in un piano organico percettivo-intellettivo senza il prevalere dell’una sull’altra. È così che si entra in un campo di natura pittorica nel quale manti villosi o scabri, uniti o pezzati, livree piumose o lanose, crini folti o sfibrati, ciuffi di peli o di setole, pellicce soffici o irsute creano tavolozze vibranti ed animate da una struttura sotto epidermica o profonda di cui si intuisce la natura venosa, tendinea, muscolare od ossea. In questa situazione i tegumenti animali, percepiti gradualmente e con attenzione, diventano stesure cromatico-compositive che evocano altre superfici : distese di terra riarsa, coltri di soffici piumini, increspature sabbiose, avvallamenti montani, tappeti lanuginosi od anche “pure forme” dal forte impatto percettivo costruite da riccioli e fili di luce, crespe leggere, campiture nette, vibrazioni palpabili. Attraverso tratteggiature filamentose, macchie sfrangiate, ombreggiature cupe e sottilmente sfumate che invadono a tutto campo inquadrature apparentemente bidimensionali e senza direzione, lo sguardo ricerca la forma e il verso di lettura, insinuandosi nella sottile tessitura dei segni e perseguendo attraverso la parcellizzazione morfologica e la trama grafica la struttura globale dell’immagine. Nel contempo, lungo tale percorso si attiva un processo visivo e mentale che dichiara la precisa impostazione gestaltistica della ricerca fotografica nel suo rapporto psicologico e artistico tra l’elemento sensibile e ottico e quello riflesso e nell’effetto spiccatamente dinamico e coinvolgente dell’espressione linguistica. Ogni presenza sollecita così uno sforzo sul piano dell’attenzione e una concentrazione visiva che suscitano un forte senso di attesa e di curiosità in chi sia capace di abbandonarsi allo stimolo sensoriale, al gioco mentale dei rimandi e delle allusioni, all’epidermico piacere visivo e all’esercizio intellettivo della ricostruzione formale.

Rodolfo Mattia Rocca, fotografo emergente nato a Roma nel 1982, si forma a Barcellona presso l’I.D.E.P.

Culturalmente orientato nell’ambito della Psicologia Olistica e Transpersonale della scuola Estel di Barcellona, l’Autore coniuga la percezione visiva con le suggestioni del profondo filtrate attraverso il medium fotografico. Ha già esposto le sue fotografie in numerosi e significativi contesti, in Italia e all'estero.

Contacts

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2011-10-26T11:30:00.006+02:00

ELISIRart presenta

S U S A N I T A

fotografie di Valentina Fontanella

musiche di Ernesto Fontanella

a cura di ELISA GOVI

dal 4 al 23 novembre 2011 | opening venerdì 4 novembre, dalle ore 18,00

Galleria RILIEVI contemporary art | Via della Reginella 1a | Roma

CATALOGO DELLA MOSTRA ON-LINE

http://www.wix.com/ma6711/susanita

“La vera me è quella che fotografo” Susanita / Esplorare la propria natura è un viaggio che dura lo spazio di una vita o il tempo di una fotografia, quello che separa la messa in scena dalla ripresa. Una macchina digitale tra le mani ed un racconto da comunicare, la propria storia da capire e manifestare. In Mostra a Rilievi contemporary art gli autoritratti di Valentina Fontanella, in arte Susanita.

Per la prima volta in modo articolato si darà spazio e respiro al mondo interiore di un talento sorprendente, seguendo le ragioni di una rappresentazione mai scontata che incanta, diverte, emoziona. Che attrae, sempre.

Costumi, trucco, location, gesti, parole anche. Nulla è lasciato al caso nella sceneggiatura del racconto. Regista e prima attrice sempre lei, Susanita.

Se “l'amore è indimenticare” (verso tratto dalla poesia “L'amore cos'è” di Arsenio Bravuomo e scelto come filo rosso dell'intera mostra), fotografarsi è lo strumento di una indagine interiore, è la cura. Non basta delineare la realtà esterna con il filtro della propria sensibilità, c'è bisogno di scandagliare se stessi con ricorrenza ossessiva, l'obiettivo come specchio. Fotografare la propria immagine per prestare ascolto, per conoscere e riconoscere, coscientemente, è atto d'amore, di erotismo verso se stessi; è una reazione energica e vitale rispetto alle frustrazioni che attribuiamo al mondo di fuori, quello che non ci capisce, che non ci vuole, che non ci porta in trionfo. E identificare le tante sembianze che abitano la propria storia, dare forma alle diverse maschere è misurare come e quanto siamo capaci di essere, sul palcoscenico della vita. E' un modo per capire chi siamo, è un modo per capire che siamo. Ecco, in Mostra si potrà apprezzare chi è Susanita, chi è stata sin qui, con il piacere di assistere ad uno spettacolo irresistibile o leggere una storia da riconoscere, che parla di auto-guarigione, che è promessa di vita.

Signori e Signori, ecco a Voi: S U S A N I T A ! ! !

Contatti

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www.susanita.it | mail@susanita.it

2011-09-27T16:17:00.000+02:00

ZEFRAM

“ECHOES”

a cura di Elisa Govi

28 settembre | 12 ottobre 2011

Galleria RILIEVI contemporary art | via della reginella 1a | 00186 Roma

tutti i giorni | ore 15-20

opening mercoledì 28 settembre | ore 19,30-22

“Echoes” è un progetto scaturito dall'omonimo brano dei Pink Floyd, un autentico viaggio musicale di oltre 23 minuti, pubblicato per la prima volta nell'album “Meddle” del 1971. La migliore canzone mai scritta nella storia della musica, sostiene l'Autore, madre di visioni estreme e complementari, nero profondo ed esplosioni di luce, come la vita. Ogni passaggio è uno stimolo emozionale sconvolgente, ogni secondo è immagine potenziale che chiede di esistere, emblema di stati interiori universali. Ed eccole, le visioni.

La fotografia produce immagini, la mente pensa per immagini, ma se lascia andare la zavorra della coscienza le cose distinte e lontane si rivelano collegate tra loro da relazioni tanto più solide quanto illogiche. La realtà rimane a terra sotto il peso della contingenza relativa, incapace di rappresentare ciò che vive dietro il visibile. Le immagini create sono spazi psichedelici, rivelatori di una condizione mentale ed emotiva sospesa, che attentano agli stereotipi della verosimiglianza e disorientano chi guarda. La ragione chiede di cedere il passo. E non si tratta di inconscio automatico, in senso surrealista, gli stati emotivi sono cose concrete delle quali si ha consapevolezza, perché si sentono, si toccano, è un ignoto ancora inesplorato, ma già riconosciuto. Inquietudini, ossessioni, solitudini...vuoti. Lo spazio di dentro è un luogo rivelatore e silenzioso, ha volumi nitidi ed ha bisogno di reiterare i propri elementi. Il rumore lo fanno i colori, che si oppongono, si completano, rimbombano, che riempiono gli occhi e catalizzano le reazioni. Lo spazio di dentro ha bisogno di luce vivida, di disordine congelato, di tempo sospeso.

Per realizzarlo, Zefram parte dalla realtà, ne usa i luoghi e gli oggetti. Le forme degli umani, spaesate, sono capaci di rivelare quel che è vero, rispetto alla mistificazione del mondo che si accredita come oggettivamente certa.

Ed anche il modo di operare del nostro Autore è il più “reale” possibile. Per prima viene la visione, a seguire il progetto e la logistica per realizzarlo, perché queste fotografie, malgrado le apparenze, sono esito di una fase di preparazione e ripresa accurate in senso maniacale e di un processo molto meno significativo di post-produzione. Arriviamo al paradosso definitivo e concludente: non c'è invenzione digitale nelle immagini di Zefram, ciò che vedete è stato li...nella realtà.

Enrico De Marinis, in arte Zefram, fisico classe 1960, è stato docente presso l’Istituto Universitario Navale di Napoli ed attualmente è coinvolto in diversi progetti europei sulle telecomunicazioni. Ritorna a fotografare nel 2006, dopo un lungo periodo di rifiuto totale della fotografia utile a liberarsi dagli stereotipi del linguaggio visivo convenzionale. Negli ultimi tre anni ha esposto in diverse mostre collettive e personali e i suoi portfolio sono stati pubblicati da alcune tra le principali riviste di settore, francesi ed italiane.

Contatti

www.elisirart.blogspot.com | elisir.art@gmail.com

www.enricodemarinis.eu | info@enricodemarinis.eu

2011-06-15T13:24:00.000+02:00

Galleria RILIEVI, Via della Reginella 1a, Roma - tel. 06.95223340

T R A M F R A M E
fotografie di MASSIMILIANO CAMELLINI

Opening venerdì 24 giugno, ore 19 24 . 06 / 24 . 07. 2011

“Confessione di un libero catalogatore - Una finestra che si muove è stato il mio palcoscenico. Ho visto un volto che non ho più ritrovato, aveva il sentimento acuto della sirena di ambulanza che lo sorpassava, ma era già un altro e un altro e un altro e un altro. Uno mi sembrava di riconoscerlo, l'ho riconosciuto!, indossava i miei occhi di lunedì scorso, quando avrei voluto essere ovunque fuorché lì, su quella stessa sedia di tram. Un altro guardava avanti, sorrideva. Attese... Un profilo di ombra si è accorto di esistere perché lo seguivo. Solo un bambino ho visto giocare, imparava a scrivere tra i graffiti del vetro. Ho provato ad afferrare con la mente le loro vite, ad avere ragione dei loro pensieri, ma scivolavano volavano via in trasparenza. E' l'apologia dell'abbandono. Che beffa, mi dissi. Non ci ho più visto. Ho scattato! Lo confesso: ho scattato! Volevo catalogare quei profili volatili, fermare con un dito lo stridore infernale di quei binari, capire: dovevo smontare l'orologio, perdonatemi, pezzo per pezzo. Ho testato di potere fermare il flusso: non mi sono più fermato! Ora lasciatemi rappresentare il tempo che ho scelto, l'orologio è lo stesso ma io sono le lancette, clock clock clock clock clock, questi siamo noi...visti da chi è sceso dalla corsa: che “effetto” vi fate? Ora fatemi ciò che volete.” e.g. per m.c.

Orario apertura, tutti i giorni - 11,00 / 19,00 ingresso libero

Contatti
elisir.art@gmail.com - galleriarilieviroma@gmail.com
www.massimilianocamellini.org - info@massimilianocamellini.org

Curatori : Elisa Govi, Maurizio Lamorgese

Autore: Massimiliano Camellini

2011-05-27T14:23:00.000+02:00

Galleria RILIEVI, Via della Reginella 1a, Roma - tel. 06.95223340

ATTRAVERSO L'OBLIO
ROBERTA DEMEGLIO . photo-sensory exhibition

Opening venerdì 3 giugno, ore 18.30 03 / 17 . 06 . 2011

“Allora decisi di abbandonare al suo destino la mia identità, “vai all'inferno” le urlai addosso, desideravo restituire all'universo il mio nome, il volto, la storia di una vita senza autore. Affonda il corpo pesante mentre l' anima si nutre del liquido sacro che mi avvolge. La memoria non può mentire, ricordo, ricordo un tempo molto vicino quando questa era la mia casa. Silenziosa, nutriente, vitale. Ecco chi sono, sono questo luogo, sono lo spazio bianco. Non ho nostalgia della finzione che ho fatto morire, l'ho vista spegnersi, ho seguito con gli occhi la sua agonia, il piacere di un brivido mi ha solleticato lo spirito. Non esiste più. E mentre il travaglio suscita ancora le sue bolle di superficie, pezzo per pezzo torno a galla, come bambina dal ventre della mia mamma. La medesima apparenza non inganni chi sa vedere. Sono il veicolo permanente di una trasformazione ignota. E Voi con me. Cerco il dialogo perforante, lo scontro frontale, l'incontro, Vi invito qui ad attraversare il medesimo rituale metamorfico. Voglio vedere chi saprà infilare questa mascherina per la respirazione ed intraprendere il Suo viaggio. Non verrete alla mia Mostra per guardarmi, ma per esperire la Vostra Natura, siete Voi i protagonisti, in cerca di uno specchio.” e.g. per r.d.

Orario apertura, tutti i giorni - 11,00 / 19,00 ingresso libero

Contatti
www.elisirart.blogspot.com - elisir.art@gmail.com - galleriarilieviroma@gmail.com
www.robertademeglio.com - info@robertademeglio.com

Curatori : Elisa Govi, Maurizio Lamorgese
Autore: Roberta Demeglio
Musiche: Melinda Ligeti

2011-05-16T19:10:00.000+02:00

Fonderia delle Arti, Via Assisi 31, 00181 Roma
tel. 06.7842112

WORK IN' MALI
Personale fotografica di GIGI MONTALI

Opening sabato 4 giugno, ore 19.30

04.06.2011 / 25.06.2011

Abstract – La fotografia di Gigi Montali è testimonianza di una delle molteplici realtà che appartengono allo stato attuale del mondo, del nostro mondo: il Mali, una ferita d' Africa inghiottita dal deserto e riposta con cura nel sottoscala della ragione occidentale, una terra dimenticata e lo stoico procedere delle popolazioni autoctone. Lo sappiamo, il valore documentale delle immagini appartiene alla genetica della fotografia, sin dalle origini: come registratore della realtà, per costruire un archivio, specchio per il presente e enciclopedia per il futuro, il documento fotografico avrà sempre ragione di esistere. Era il 1932 quando Lewis W. Hine pubblicò “Men at work”, una serie di immagini di lavoratori d'America, compresi gli operai dediti alla costruzione dell'Empire State Building. Come allora, la serie “Work in Mali” oggi è lontana dalla ricerca dell'effetto drammatico, sensazionale, del giudizio urlato. L'Autore carpisce documenti diretti ed immediati di una condizione oggettivamente problematica, con la volontà di comunicare nella visione d'insieme un dato di fatto. C'è desiderio di comprensione in queste immagini, eppure è raro l'indugio sui dettagli d'effetto; a dominare è la discrezione di chi osserva da lontano, con occhio straniero, il rispettoso tentativo di catturare il tutto come contenitore di ogni piega di presente utile alla memoria, perché la cognizione ha bisogno di ricordo, sospensione del giudizio, confronto di verità, a partire dalle manifestazioni concrete che le attestano.

Orario apertura, da lun a ven 09,00 – 20,00 / sabato 10,00 – 16,00

Ingresso: tessera associativa euro 2,00

Contatti
www.elisirart.blogspot.com - elisir.art@gmail.com - www.fonderiadellearti.com
www.gigimontali.it - gigi@gigimontali.it

Curatori : Elisa Govi, Maurizio Lamorgese

Fotografo: Gigi Montali

2011-04-29T16:23:00.000+02:00

Galleria RILIEVI, Via della Reginella 1a, Roma
tel. 06.95223340

GUARDAMI
Personale di PAOLO ROSSETTO

Opening sabato 14 maggio, ore 18.30

14.05.2011 / 28.05.2011

Abstract – La sorprendente attualità di testi letterari o musiche scritti secoli fa suggerisce che oltre alla sensazione di temporaneità che appartiene all’uomo moderno ci sono inclinazioni, sentimenti, stati che rimangono identici nella storia. A mutare è il modo di recepirli e raccontarli. La percezione di una reciproca corrispondenza tra uomo e natura affonda nella notte dei tempi, evocare la trasformazione da uno stato all’altro è la conseguenza di un modo di pensare l’universo in senso unitario; sin troppo facile il rimando a leggende greche e romane dedicate al motivo comune del mutamento di esseri umani in animali e piante. Esistono, in altre parole, trasformazioni permanenti. In questo senso la produzione di Paolo Rossetto è classica, come la può essere la Divina Commedia di Dante o un brano di Fossati, l’immaginario che affronta è svincolato dalle reti del tempo. A partire dal legno del supporto, costante nei lavori dell’Autore è appunto la metamorfosi di figure umane in vegetali e piante, e viceversa, in un moto perpetuo di fusione ed identità universali.

Orario apertura, tutti i giorni - 11,00 / 19,00

Ingresso libero

Contatti
www.elisirart.blogspot.com - elisir.art@gmail.com - galleriarilieviroma@gmail.com
www.rossettopaolo.it - art.rossettopaolo@gmail.com

Curatori : Elisa Govi, Maurizio Lamorgese

Artista: Paolo Rossetto

2011-04-25T16:01:00.000+02:00

Dal Catalogo della Mostra "Metamorphosis, elogio della trasformazione" (Galleria L'Agostiniana, Piazza del Popolo, Roma, 01-16/04/2011) : "...Il desiderio di realizzare questo progetto si è fatto strada a partire dalla percezione di come l'arte contemporanea sia fortemente connotata dal problema, dall'“onda di senso”, efficace espressione di Angela Vettese, della trasformazione.
Guardando più a fondo, ci si rende conto facilmente che la metamorfosi è la direzione dell'arte, da sempre. Volgendosi al passato è più facile mettere a fuoco come nella storia l'arte abbia cambiato di continuo linguaggi e tecniche in relazione al presente della quale era testimone, tanto da essere nelle parole di George Kubler “la forma del tempo”, il lineamento visibile dell'invisibile scorrere della realtà.
Alla luce di questa consapevolezza ciò cui stiamo assistendo oggi può essere compreso con maggiore lucidità.
Secondo Arthur Danto, "i periodi di grande cambiamento cominciano sempre con una sfida nei confronti delle frontiere artistiche preesistenti, che poi si estende alle frontiere sociali più significative finché poi l'intera società si ritrova trasformata”. L'arte, in altre parole, sarebbe il termometro più sensibile per testare lo stato di salute di una civiltà e lo specchio più crudele per raccontarla. Come in un quadro di Pistoletto, l'opera d'arte riflette ciò che le sta dietro, il contesto che l'ha determinata. E non è tutto: i fenomeni creativi, per il loro essere naturalmente fuori dalle reti di un pensiero convenzionale, avrebbero una dote pionieristica nell'andare al cuore dei problemi dell'oggi e palesandoli porre le condizioni del loro superamento.
L'arte contemporanea racconta di perforanti slittamenti formali e di significato perché parla di un presente che è una permanente transizione, e non da un solo punto di vista. Il cambiamento accade e non può essere controllato, ma secondo Marshall Mcluhan, l'artista è colui che ci vaccina di fronte ai grandi mutamenti, che per la loro violenza talvolta ci colgono impreparati. L'artista ci mette in condizione di capire chi siamo. Mentre scrivo, un terremoto devastante ha colpito il Giappone, le reali conseguenze di ciò che sta accadendo saranno intuite in parte domani, comprese in pieno tra diversi anni, forse. Nel frattempo saremo cambiati, mentre l'arte avrà già da tempo assorbito il seme di consapevolezze sopite nelle coscienze comuni. Il nostro compito primario davanti all'arte contemporanea è di imparare ad ascoltare.
Il Novecento ha visto affermare idee destabilizzanti come mai prima di allora, per qualità e quantità, il presente prosegue nella stessa direzione. Scoperte come la relatività di Einstein, la fisica quantistica di Planck, l'inconscio di Freud, il principio di indeterminazione di Werner Heisenberg, solo ad esempio, hanno sconquassato un castello di stabilità fittizie. Nel mentre, la globalizzazione ha aperto le porte ad un campo inesausto di possibilità e la scienza ha iniziato a farci vedere l'immensamente grande e piccolo, un tempo solo immaginato.
Un simile ampliamento delle possibilità percettive si traduce anche, inevitabilmente, in un allargamento delle possibilità espressive; è come avere a disposizione sette note musicali anziché una.
Le trasformazioni alle quali ci stiamo riferendo in arte, l'inclusione dell'aleatorio, l'indeterminato, il temporaneo, sono l'esito di questa esperienza del reale e rientrano a pieno titolo nella definizione cruciale di Umberto Eco a proposito di "Opera Aperta".
Quanto detto dovrebbe essere sufficiente a spiegare la scelta di accogliere in questa Mostra una eterogeneità considerevole di linguaggi, tecniche, modi di interpretare questa rivoluzione che, positiva o negativa, è innegabile e senza precedenti. Del resto è arduo pensare alla trasformazione di cui sopra sordi alle differenti direzioni di tale andamento centrifugo. L'invito è ad avvicinarsi ad ogni Opera come ad una soluzione tentata in relazione al problema del presente. Ogni soluzione è evidentemente parziale, e non necessariamente vittoriosa, ma ci aiuta alla comprensione di quell'estetica della trasformazione che crediamo appartenere potentemente al contemporaneo dell'arte..." e.g.

2011-04-04T16:14:00.000+02:00

Galleria RILIEVI, Via della Reginella 1a, Roma
tel. 06.95223340

LA CITTA' INVISIBILE
Personale fotografica di FRANCESCA BERTOLINI

Opening sabato 9 aprile, ore 18.30

09.04.2011 / 23.04.2011
prorogata al 13.05.2011

Abstract - Il circuito elettronico, il non luogo che sovrintende e sorregge le dinamiche della civiltà contemporanea, è una città altra, uno spazio invisibile eppure dominante, inumano perché privo del più sottile anelito di vita. La visione onirica e sopra la realtà dell'Autrice ci accompagna in una riflessione acuta e tagliente sul tempo e lo spazio dei quali ci illudiamo di essere i protagonisti.

Orario apertura, tutti i giorni - 11,00 / 19,00

Ingresso libero

Contatti
www.elisirart.blogspot.com - elisir.art@gmail.com - galleriarilieviroma@gmail.com
www.francescabertolini.it - info@francescabertolini.it

Curatori : Elisa Govi, Maurizio Lamorgese

Artista: Francesca Bertolini

2011-03-20T14:40:00.000+01:00

Chiostro degli Agostiniani, Piazza del Popolo, Roma

tel. 388.9419535

“METAMORPHOSIS / elogio della trasformazione”

Collettiva di Arti visive

Opening venerdì 1 aprile, ore 18.00

01.04.2011 / 16.04.2011

Abstract

La Mostra è un breve e avventuroso viaggio tra i risvolti di metamorfosi percettive messe in atto da 25 Autori contemporanei e determinate da trasformazioni aperte di forme e contenuti.

Orario apertura 10,00 - 19,00

Ingresso libero

Contatti

elisirart.blogspot.com

elisir.art@gmail.com

Catalogo disponibile in Mostra, a cura di ELISIRart, pp. 75, euro 10.

Curatori

Elisa Govi, Maurizio Lamorgese

Artisti

Fernanda Andrea Cabello, Caterina Arcuri, Fabio Massimo Bassan, Francesca Bertolini, Mary Ellen Brown, Massimiliano Camellini, Paolo Camiz, Olimpia Carimini, Francesco Ciavarella, Roberta Demeglio, Giulio De Mitri, Edith Dzieduszycka, Maurizio Lamorgese, Franca Lanni, Daniela Leghissa, Ronnj Medini, Lamberto Melina, Beatrice Palazzetti, Armando Pelliccioni, Renata Petti, Fabio Refosco, Paolo Rossetto, Marco Severini, Sergio Trevisan, Barbara Vistarini

Nota di presentazione

“Qui si celebra la trasformazione. In quale anfratto delle nostre coscienze deterministiche si è nascosta la farfalla delle meraviglie? Pensiamo di saperlo, la metamorfosi è il silenzioso motore dell'esistenza, I pensieri, le parole, le azioni lavorano come agenti del divenire... La metamorfosi è la traiettoria dell'arte, con la scia prima e dopo di lei. il pensiero dell'artista prende forma, cambia di stato, si tras-forma in una creazione attrice di se stessa, la cui materia costitutiva – anche virtuale – porta in calce la firma del tempo. Il punto apposto dall'autore non è la fine dell'opera! E se la trasformazione diventa il tratto tipico del suo dna, il lavoro si fa specchio di ciò che lo ha determinato: la metamorfosi, messa in atto, può essere colta di sorpresa, carpita; poiché ne esiste una sincronica, dei differenti occhi, una diacronica, del tempo, ed una talvolta protagonista dell'opera stessa. Sono tre facce del medesimo diamante metamorfico. Ogni segno e gesto lanciati nel mondo non sono né statici né definitivi, il loro significato, e stato, si impregnano degli sguardi e pensieri che li hanno attraversati. Anche la conoscenza della realtà contempla la dinamica dello scorrere, la stasi rarefatta del divenuto è utile al sapere delle macchine. Allora l'arte, nel lasciare libero il guinzaglio che separa formante e forma si fa strumento di conoscenza, vero! L'artista in veste di ricercatore indaga così i lineamenti dei fenomeni del suo tempo e del tempo perenne, non come ci è dato vederli, ma come potrebbero essere, come sono. La conoscenza aperta e in movimento, che l'arte ci insegna, accompagna all'essenza del reale, all'immutabile nell'eterno mutare...e quando sono gli artisti stessi a testimoniare visibilmente la trasformazione, a raccontarla a modo loro, è il caso di dedicarle attenzione! L'Evento “METAMORPHOSIS” accolto nel magnifico contesto del Chiostro degli Agostiniani di PIAZZA DEL POPOLO a Roma si propone come occasione di dibattito sulle forze che operano nella produzione del divenire naturale delle cose, in una visione in cui Arte, Filosofia, Scienza e Spiritualità si possono e si devono dinamicamente integrare. Perché se è vero che niente è statico, il modo in cui le cose cambiano dipende da noi. Oppure no? Qui si celebra la trasformazione.” e.g.

2011-03-01T20:34:00.000+01:00

Personale di ROBERTO FANTINI
Galleria RILIEVI . Via della Reginella 1a . Roma
02/16 . 03 . 2011
a cura di ELISIRart
ingresso libero

elisirart.blogspot.com
elisir.art@gmail.com

www.fantiniarte.it

2011-02-21T11:16:00.000+01:00

Massimo Benucci imprime di sé quel che dipinge. Interno verso esterno: l'affronto diretto con la realtà avviene nello spazio sottile che separa autore e superficie, dove la coscienza si scontra con la materia viva del presente. Uno scontro sanguigno, drammatico, violento, esorcizzato sul piano dell'azione. L'esito della partita è sotto i nostri occhi; serve presenza per sostenere l'incontro con questi spettri di comunicazione che reiterano invariato il loro messaggio, nitido e tagliente, quanto è labile il contorno di immagine che li dipinge.
Massimo è dentro fino al collo al problema della realtà, sente sulla pelle il peso di chi è nella società in una posizione diversa, di alienazione, di diversità, di rifiuto, di chi rompe le fila del conformismo e paga per questo un dazio, come un cristo martire...ma vittorioso. Se questi sono i protagonisti, i suoi lavori sono imprecazioni rivolte all'ipocrisia del pensiero comune ed il messaggio si ferma all'evidenza di una tragica condizione umana, sempre diversa...sempre la stessa.
Bisogna far giustizia di ogni intellettualismo, sembra urlare Massimo, ritrovare la rudezza e l'impaccio, ma anche la profonda spiritualità del fare su materie naturali e grezze, finché dal loro spessore non emana un barlume, una verità, che diventa flebile ma pura luce. Per accenderla serve il peso fisico di supporti consumati, di colori scivolati ed è necessaria quella miserabilità dell'immagine da cui si libera il ritmo di una trascendenza che non smette di battere. In questo senso, nei lavori di Massimo la tecnica è la metafora della poetica.
L'arte di questa Mostra materializza una condizione di cosciente ma irrimediabile negatività dell'esistenza moderna, eppure gli spettri non smettono di parlare, è un sottile piacere ascoltarli...come ci ha insegnato G.C.Argan, “se la sublimazione può darsi solo bevendo fino alla feccia il calice della disperazione, l'invettiva è preghiera”.

2011-02-07T13:40:00.000+01:00

L'autore del reportage fotografico qui proposto è testimone oculare di una verità, verità parziale...degli occhi, dei fatti, quella che si vede stando a terra, dove quei dati accadono e sono inevitabilmente uguali a loro stessi. Dura verità. Le immagini di Marco sono registri di sguardi comuni sul mondo, la cronaca di un tempo malato, corrotto, problematico...lì, alle soglie dell'implosione. Una verità. Constatarla significa dare voce ai segni che gridano sui muri urbani, che scivolano tra i rami degli alberi, alle tracce di passagi umani disperati. Ecco la Bulgaria oggi, come la si vede, uno studio di sette immagini ci riporta al concreto sociale, politico, economico, umano, al qui ed ora, a noi, perché non denotano uno specifico paese, quanto uno status comune ad una fetta ampia di tessuto urbano e umano...globale. Il dreamer John non era the only one, oggi forse lo sarebbe di più, oppure il suo sguardo partiva da più in alto: John non guardava, i-m-m-a-g-i-n-a-v-a. “who are you”, intitola una delle foto esposte, un giovane uomo è alle soglie di un bivio, la vecchia e larga strada battuta, o cosa? chi sei tu?: i nuovi pensieri, il modo rinnovato di pensare noi stessi e il mondo, restano la sola possibilità di trasformazione, che è già lì, nella strada che si dirama, scegli ragazzo.

2011-01-30T22:05:00.000+01:00

2010-12-20T09:33:00.000+01:00

2010-12-15T15:53:00.000+01:00

MAURIZIO LAMORGESE
“FORMA MENTIS”
16.12.2010 / 16.01/2011
Galleria RILIEVI . Via della Reginella 1a . Roma
www.elisirart.blogspot.com

“Disegnare il mondo è un modo per indagare le strutture dell'essere, è mettere in relazione la propria coscienza con il resto dell'universo; disegnare è uno strumento di conoscenza, una sorta di filosofia.
Le forme geometriche sono la misura di tale rapporto, strumenti mentali con i quali si compie l'esperienza del reale. Chi può giungere alla purezza della sintesi ha individuato il rapporto tra un infinitesimo e la realtà tutta, una figura è ciò che rappresenta ed una forma spaziale, cioè espressione della totalità.
Ma nella genesi di questi disegni risiede anche un nucleo misterioso, enigmatico, mistico, che non li lascia. Come se un soffio superiore avesse determinato onde di equilibrio instabile pronte ad essere ri-generate. Ogni creazione autentica ha una forza di vita autonoma, la capacità di agire, oltre il tempo e la coscienza di chi l'ha data alla luce. Ha energie attive, esiste e contribuisce alla crescita della vita spirituale. Il segno è forma, anche il colore lo è. I contenuti semantici delle forme sono come corde di una chitarra, Maurizio Lamorgese le fa vibrare, consapevole delle possibilità combinatorie infinite che l'incontro tra interno ed esterno può generare.
Questi disegni sono il palesarsi di un'armonia raggiunta tra la totalità del mondo e la totalità dell'io, tra l'infinita varietà delle sembianze e la compiutezza dell'essere. Nulla si potrebbe cambiare in tali composizioni senza comprometterne l'equilibrio. Ed è un equilibrio morbido, dolce, curvilineo, che asseconda il continuo divenire delle apparenze. Non c'è cesura, tra esterno e interno, l'autore è nel mondo il mondo è in lui, l'io non conquista l'esterno e non ne è conquistato. E' identità.” (e.g. /dicembre 2010)

2010-11-21T14:34:00.000+01:00

PAOLA MINELLO
JUST MARILYN . omaggio a Marilyn Monroe

a cura di ELISIRart

Galleria RILIEVI . Via della Reginella 1a . Roma
26 novembre . 8 dicembre 2010

inaugurazione venerdì 26 novembre, ore 19.00

http://www.paolaminello.it/
http://www.elisirart.blogspot.com/

“Esiste uno spazio, fuori dal tempo di un pensiero storicizzante nel quale le cose, le persone, gli avvenimenti sono estraniati dal loro possibile significato pubblico. Esiste una dimensione in cui segni e gesti assumono accezioni autonome imprevedibili, per questo aborrite dagli schemi ideologici dominanti che, per definizione, necessitano di significati riconoscibili. Esiste, in altre parole, una dimensione privata e spirituale del fare arte che sfugge a congetture predeterminate senza perdere niente della propria dignità costitutiva. E' in Mostra dal 26 novembre all'8 dicembre a Roma un estratto della ricerca “Omaggio a Marilyn Monroe” di Paola Minello.
Il segno di Marilyn in arte appartiene all'inconscio della pseudo cultura artistica di massa, che ci riporta con una macchina del tempo estraniante agli anni '60 della Pop Art, il collage alle componenti dada presenti nelle prime manifestazioni di questa. E ancora, la dinamica dei segni di sfondo ci evoca il gesto informale. Ma Paola Minello è molto lontana da questi frastuoni. Le manifestazioni terrene non sono fatte di sola forma in senso meccanicistico.
Quella di Paola non è la Marilyn icona commerciale riportata in arte, è proprio l'essenza che resta dopo queste affollate operazioni di riproduzione, forma emotiva di un preciso senso di femminilità. Questi segni visivi sono intimi, non collettivi. Personal Art, verrebbe da dire. Tolti gli impulsi a registrare la civiltà dei consumi, sopiti critica, accusa o impegno nel cambiarla, resta tutto il “di dentro” da indagare. Il mix di Paola Minello è indotto da motivazioni interiori. Lo sfondo non è decorazione, il rituale demiurgico che lo genera ne è testimonianza: è connotazione emozionale dell'icona, la caratterizza, ne esalta una nota espressiva, come fosse la sua ombra remota, un destino che torna a dare conferma di sé. C'è prima di Marilyn, come viene prima il contesto di ogni cosa, agente del soggetto, forma di un pensiero: non è in gioco una scala di valori, il movimento del segno nasce per un corpo, ma solo dopo lo sa. Queste icone sono al centro di un universo in atto, in evoluzione, che le stava aspettando. Quell' universo parla di loro, in senso quasi espressionistico. La figura è un segno che stravolge l'impressione, ne diviene protagonista: sono gli accenti a fare la differenza. Il gioco della ricerca del soggetto oggettivato si fa strabiliante caratteristica dei lavori di Paola, sfida all'osservatore e firma d'autore. Ci si perde, nel proprio universo, ma solo per ritrovarsi.” e.g.

Paola Minello (www.paolaminello.it) è prima di tutto musicista. Nasce a Roma, frequenta il conservatorio e da allora sono tante le esperienze artistiche nel settore, e tutte di alto livello: musical, spettacoli e collaborazioni con celebri direttori d'orchestra e artisti internazionali.
Da qualche anno c'è anche la pittura, a fianco della musica. Il suo sguardo in arte è accompagnato per un certo periodo dalla mediazione del compagno, indiscusso esponente dell'arte contemporanea. Ma Paola inizia a dipingere e cammina da sola. Nel Marzo 2008, a Cagliari, la prima personale “Infinito Pop”. Da allora, la sua strada d'autore è tutta in divenire.

2010-11-14T09:37:00.000+01:00

KOSAKAOS . dis harmonies in art

collettiva di arti visive

a cura di ELISIRart
19 novembre . 19 dicembre 2010
FONDERIA DELLE ARTI . Via Assisi 31 . ROMA

INAUGURAZIONE VENERDI' 19 NOVEMBRE, ORE 18.30
ORE 20.00 : "DEMENTIA" . performance musicale di JOHN B. ARNOLD

Dal catalogo della Mostra: "...Il tempo scorre in una sola direzione, in avanti. L'esperienza della realtà è accompagnata da un segno comune: la nostra coscienza registra in continuazione la variazione di energia che avviene nel mondo attorno a noi. Vediamo il nostro corpo invecchiare, la polvere accumularsi, gli altri morire e le braci roventi diventare cenere fredda. C'è armoniosa coerenza in questo divenire. Ma l'abito mentale ultracentenario che ci ostiniamo ad indossare continua a darci l'illusione che la dimensione umana sia un processo affrancato dalle leggi di natura, la storia terrena come un passaggio dal disordine perfettibile presente ad un compiuto ordine futuro. La perfezione della “forma” è ancora un valore sostanziale, eppure qualcosa non torna: il mondo va a rotoli e gli sforzi per premere la realtà dentro desueti contenitori ideologici li fa trabboccare di rifiuti per reazione, noi ci siamo dentro e continuiamo a premere. Basterebbe sollevare il velo mistico che circonda il pensiero antropocentrico per accorgersi che ogni reazione che ci riguardi è trasformazione del mondo naturale. Quando il mondo intero comincia ad incrinarsi e a crollare, è il caso di riflettere su come esso sia stato pensato e dunque organizzato, perché lì risiede il nucleo di comprensione. In questa accezione il caos odierno è fecondo, perché per espandersi ha bisogno della rottura dell' ordine fittizio considerato ineludibile dall'uomo occidentale, come gli ingranaggi di una macchina letale. L'Arte ha accettato da tempo, forse prima di tutti, la situazione e ha tentato, come è sua vocazione, di darle una forma, un ordine interpretativo. Il tema della Mostra è la reazione degli artisti di fronte alla provocazione del caso, dell'indistinto, del probabile, del plurivalente; la reazione della sensibilità contemporanea in risposta alle suggestioni suscitate dalle discipline scientifiche, matematiche, filosofiche, precedute dalla visione di un mondo umano che burlescamente sembra progettare la sua fine. Non si vuole spiegare niente qui, perché accettare e cercare di dominare l'ambiguità del nostro tempo non significa imprigionarla in un ordine che le sia estraneo, piuttosto ribadire ed esemplificare la necessità di elaborare una consapevolezza e l'aiuto che, in questo senso, può venirci dall'arte. Quelli a seguire sono esiti che comunicano modi di vedere ed assimilare un universo umano, interiore e sociale, in cui i modelli tradizionali sono andati in frantumi, mentre si stanno faticosamente delineando nuove possibilità di rapporto che rimettono in gioco, senza rifiutarli, gli assunti delle culture del passato. Da questo punto di vista, nelle pagine che seguono potremo trovare più affermazioni sulle nostre relazioni di vita che in un qualsiasi possibile saggio speculativo. Intuire la realtà è un modo per comprenderla. Come specchio del presente, l'arte può ancora aiutare il mondo, dopo tutto sta andando verso qualcosa..." e.g./11.2010

2010-11-02T20:02:00.000+01:00

COMUNICATO STAMPA

KOSAKAOS . dis harmonies in art

collettiva di arti visive

a cura di ELISIRart
19 novembre . 19 dicembre 2010
FONDERIA DELLE ARTI . Via Assisi 31 . ROMA

INAUGURAZIONE VENERDI' 19 NOVEMBRE, ORE 18.30
ORE 20.00 : "DEMENTIA" . performance musicale di JOHN B. ARNOLD

G L I A R T I S T I

Fernanda Andrea Cabello / Filippo Bernabei / Paolo Buzi / Daniele Camaioni /
Francesco Ciavarella / Giulio De Mitri / Giacomo di Castri /
Edith Dzieduszycka / Marco Filippozzi / Luigi Filograno / Annalisa Guerri /
Franca Lanni / Daniela Leghissa / Ruggero Maggi / Nani Marcucci Pinoli /
Michele Pisicchio / Andy Salzman / Maria Savino / Sergio Trevisan /
Barbara Vistarini

Catalogo disponibile in Mostra

http://www.fonderiadellearti.com/
http://www.elisirart.blogspot.com/

L A M O S T R A
Il Caos globalizzato, connotazione dell'oggi, segna anche i linguaggi dell'arte. Impossibile prescinderne,
per comprenderli: la disamornia del nostro tempo e l'arte, contenitore del presente, che la rivela in trasparenza.
La discontinuità dei fenomeni ha messo definitivamente in crisi l'illusione di un' immagine unitaria e compiuta della realtà. Insieme decadono tradizionali certezze e vibrano feconde forze centrifughe. Il campo di possibilità interpretative è infinito, la proliferazione di contrasti e opposizioni ne è la conseguenza: un' eterogeneità che la nostra civiltà nutre come valore prezioso, perché tutti i dati della cultura globale ci inducono a concepire e dunque vedere il mondo secondo la categoria delle possibilità. Così, le griglie interpretative con le quali si è soliti decodificare le arti, e il loro contesto, risultano in parte vanificate: si affollano giudizi di negazione per espressioni che non si possono capire applicando ideologie storicizzate, oppure ci si limita a definizioni che inquadrano, senza comprendere. Ma sta davvero lì il nucleo di comprensione?, nel ricondurre questo disordine sotto la griglia di strutture di pensiero che appartengono a tempi finiti? Ora sappiamo che il Caos non è è indecifrabile, è l'ordine segreto sotteso a tutto ciò che non appare perché sta oltre il visibile, causa ed effetto delle ragioni individuali e universali, che come forma di ordine assoluto, è fuori dal tempo immanente.
La Mostra proverà ad esemplificare l'armonia sottesa ad ogni dis.armonia esteriore e, specularmente, l'universo che ogni calma apparente comprende; nello spazio espressivo di ogni singolo autore e nell'interazione di forme-linguaggi-contenuti, di esperienze artistiche, diverse e distanti, ma intrinseche al presente. Occasione per riflettere su un tema proprio all'arte e alla vita spirituale e fisica di ognuno e di tutti, oggi non più disattendibile.

L A L O C A T I O N
La Fonderia delle Arti (www.fonderiadellearti.com), che ospita l'Evento, è il migliore contenitore possibile. Edificio ricavato all’interno di un'antica fonderia di metalli, ristrutturata e trasformata in una struttura didattica e artistico-culturale polifunzionale. Spazio interattivo, è esemplificazione esso stesso del contemporaneo dell'arte. Il progetto artistico di Maurizio Boco e Giampiero Ingrassia, sorto con la finalità di concentrare nel medesimo perimetro musica, teatro, e arti visive, è diventato un punto di riferimento per la cultura capitolina e non solo. Serie testate di settore, giornalistiche e televisive, critici e osservatori, gli hanno già destinato ampio riconoscimento.

L A P E R F O R M A N C E M U S I C A L E
“DEMENTIA” . JOHN B. ARNOLD . batteria

John B. Arnold è musicista di livello internazionale. Nasce a New York City, da anni lavora come batterista, programmatore e compositore, ora al suo quinto disco da solista.
Nipote del grande compositore Americano Hoagy Carmichael, John conta numerose collaborazioni e registrazioni insieme ai nomi piu’ grandi del jazz Americano tra i quali: Greg Osby, John Abercrombie, John Pattitucci, Larry Goldings, David Binney, per citarne alcuni.
Ha pubblicato dischi e progetti elettronici in collaborazione con musicisti di supremo livello, partecipato a festival internazionali, continuando nel contempo ad insegnare tra Roma, New York e Berlino.
Qui proporrà il progetto, solo, DEMENTIA. Con l’uso di tastiere e migliaia di loops creati da lui, la performance si basa sull’uso di temi televisivi e pubblicità d'epoca, ma presi e distorti al punto del non riconoscimento. Questi sequencers e la batteria elettronica, saranno la base per l'esibizione dal vivo.. Onde sonore, voci contorte, “noise” e ritmi elettronici astratti, accompagneranno il tema della Mostra nel territorio della migliore musica contemporanea.

2010-10-30T13:14:00.000+02:00

COMUNICATO STAMPA

MARGHERITA CALZONI
“LA GIOIA E' LA MATERIA IN MOVIMENTO!”

a cura di ELISIRart
in collaborazione con Jelmoni Studio Gallery

Galleria RILIEVI . Via della Reginella 1a . Roma
dal 6 al 17 novembre 2010

www.elisirart.blogspot.com
www.margheritacalzoni.it

Margherita Calzoni è nata a Bologna nel 1983. Sin da bambina asseconda la grande passione della pittura, che negli anni nutre con studio ed esperienza. Dal 2003 partecipa a numerose mostre ed eventi personali e collettivi, pubblicando articoli su cataloghi e riviste di settore.

A Roma espone una sintesi della produzione più recente, lavori nei quali l'espressione necessaria, impellente, giosamente prepotente, è il risultato di una esigenza interiore di manipolazione del mondo materiale, del concreto, che è presa di coscienza, interpretazione della realtà, del senso delle cose; questo movimento, da fuori a dentro, è il principale agente creativo della giovane artista, dichiarato, urlato, palesato anche a parole. E la comprensione non risiede nel dare un ordine globale di apparenza statica, ma nell'attribuire un senso di esistere al frammento di universo, universo esso stesso, che è lo spazio della tela. Non c'è posto per pavide maschere culturali nelle opere di Margherita, una limpida ricerca in movimento è inizio e “fine” di ogni lavoro.

“La Materia non è fredda ed inespressiva; compito dell’artista renderla viva, reattiva, interessata alla sfera dell’uomo. Forgio la Materia a seconda delle mie emozioni, non lascio che Lei mi governi: mi fermo a pensare alle mie idee, problemi, sentimenti e cerco l’oggetto che possa trasportarle su tela. Carta, gesso, metallo? Dai più umili ai migliori materiali collaborano con me: siamo una squadra! Sono, inoltre, una persona curiosa e perfezionista, sempre in cerca di qualcosa di nuovo e migliore per me; non esiterò mai a prendere il materiale più “strano” e ad utilizzarlo. Non pensate che i miei quadri, magari non di immediata lettura, non siano composti con un’idea di fondo: la passione per la pittura e la materia mi spingono ogni giorno a creare e a cercare. La vita è un percorso composto di curiosità, passioni e ricerca; la mia spero sarà interamente così! Credo che l’uomo debba essere al centro dell’arte: allora cosa meglio delle idee, sentimenti, paure dell’uomo al centro dei miei quadri! Da questa ricerca interiore emergono i miei lavori. Sono come un materiale esplosivo, pronto ad esplodere riversando fuori un mare di creatività. Tutto ciò che desidero è dipingere, per me non sarà mai faticoso: la gioia è la materia in movimento!” M.C.

2010-09-22T23:20:00.000+02:00

COMUNICATO STAMPA

Edith Dzieduszycka, francese di nascita, vive in Italia da molti anni, dal 1979 è a Roma dove è attiva nel campo dell'arte e della poesia, con numerose mostre personali e collettive in Italia e all'estero, e varie pubblicazioni.
La retrospettiva romana accoglie una trentina di fotocollages su tavole di formato verticale, eseguite dall'autrice negli ultimi anni. Sono parte di un'ampia raccolta speculativa volta alla ricerca del dettaglio, alla rappresentazione della materia banale, negletta, consunta, per estrarne l'anima nascosta, la bellezza discreta e umile.
www.edithdz.com
www.elisirart.blogspot.com

FRAGMENTA
fotocollages di EDITH DZIEDUSZYCKA
Galleria Rilievi . Via della Reginella 1a . Roma
dal 13 al 24 ottobre 2010
vernissage mercoledì 13 ottobre, ore 18,30

Dal catalogo della Mostra: “...L'attenzione al dettaglio fotografato come ingrandimento della visione d'ìnsieme, quello caro alla scuola olandese e alla “Pencil of nature” di Talbot, non è che il primo passo dell'indagine. Nel lavoro qui presentato i materiali che strutturano la realtà apparente, carta plastica metalli legno tessuti, si addensano come objet trouvé di una raccolta della memoria, geometrie segrete si espandono oltre il visibile. La fotografia diviene collage. Il collage diviene fotografia del non apparente. Non imitazione quindi della natura, ma lacerante ricomposizione di un ordine segreto. La “de-composizione” della materia genera immagini astratte, ricche di effetti plastici e luministici. Improvvisamente, oggetti comprensibili all'occhio, platealmente banali, sembrano farsi ermetiche astrazioni di se stessi. La tecnica del collage si pose a inizio Novecento come strumento di un'autentica rivoluzione, cubismo e dadaismo in particolare la utilizzarono per elevare la consapevolezza di frammentarietà. Oggi Edith comprende che il caos materiale è una forza della natura, ma che l'uomo può ancora elaborare creativamente tali incompiute informazioni. Se il mondo è frammentato, non ci resta che attingervi per cogliere ciò che serve a conferirgli una forma vivibile; e tale forma è interpretazione della realtà, mai invenzione, è così che la caotica materialità, esasperata nel dettaglio, si ricompone in un turbine di armonia. L'attenzione alla composizione di masse e colori è magistrale, testimone di una riuscita rinascita. La materia statica è mossa da un soffio di memoria, il metallo delle lamiere ondulate e la luce intensa sullo squarcio di una carta generano vita. Ma l'atmosfera è densa, concentrata. Labili lingue di fuoco si fanno materia tangibile. Le apparenze temporali prendono corpo, si solidificano in una dimensione assoluta del pieno. (…) Non c'è alcuna concessione al caso in questa ricomposizione del mondo. E' uno scavare nei valori formali e cromatici dell'immagine per ri-creare un universo autoriale di concreta astrazione. Dal caos del quotidiano, giungiamo con la manipolazione dell'apparente tangibile ad aleborare un'alchimia di Verità: l'entropia della materia lacerata è rinascita nel mondo nell'astrazione.” e.g. /maggio 2010

2010-09-19T11:20:00.000+02:00

COMUNICATO STAMPA

ANGELO PETRUCCI
“L'intervallo ritrovato”
Galleria RILIEVI. via della Reginella 1a . Roma
dal 28 settembre al 12 ottobre 2010

In Mostra a Roma un estratto degli ultimi due anni di produzione di Angelo Petrucci, autore toscano di formazione accademica, che ha fatto di una peculiare indagine intellettuale e umana il motivo coerente di una ricerca artistica pluri-decennale, ma mai uguale a sè stessa; il linguaggio antico della pittura e il tema universale del corpo nello spazio, nella visione di un artista contemporaneo, che non teme la storia e fa della tecnica un tramite.

Dal catalogo della Mostra: “... Il corpo?: è fatto della stessa materia vitale di cui si compone l'universo. Come parte del tutto, è frammento senza volto, senza nome, sottratto all'identità e al tempo che lo hanno prodotto. Il corpo è parte dell'enigma irrisolto che sottende al mistero della vita e che coinvolge parimenti lo spazio che lo compenetra. (…) Res e humana sono presenze imprescindibili nelle opere dell'autore, ma in questa riproposizione di molecole di universalità nulla è concesso al caso: tutto, come in un rebus pronto ad auto-risolversi, ha una precisa ragione di essere in quel luogo, di quel tempo sospeso. (…) Il complesso tema di forze è leggibile in virtù del delicato equilibrio visuale fra dimensioni, distanze, direzioni, curvature, volumi. Ciascun elemento possiede una forma appropriata in relazione a tutte le altre, fissando così un ordine definitivo nel quale tutte le forze componenti si contengono a vicenda, nessuna di esse può imporre alcun mutamento nell'interrelazione. Il gioco di forze si trova in quiete apparente. Ma il corpo rimane l'elemento propulsivo, vitale, che rompe la permanenza, che è motore di cambiamento; in questo senso, è la chiave di volta di queste composizioni. (…) Il corpo di Petrucci è sintetizzato, generato dall'espressività gestuale ed emozionale di sè stesso. E' tridimensione dipinta, vitale sensualità potenziata dalla memoria, che sublima il reale, lo rende simbolico. Il corpo, dunque, come forma simbolica, richiede una conoscenza che implica volontario avvicinamento, ricerca perseguita, lenta penetrazione: è quella praticata dall'autore, è quella reiterata ad ogni rinnovato sguardo dello spettatore. (…) Guardando all'intera produzione di Petrucci, colpisce la coerenza della ricerca, anzi i processi paiono chiarirsi e raffinarsi nel tempo. Accanto ad un procedere dalla semplicità alla complessità dello studio, si ha un procedere dalla confusione verso l'ordine nella consapevolezza dell'indagine. (…) I dipinti di Petrucci sono raffigurazioni di enigmi da decifrare, restituiscono la presa di coscienza di una visione d'insieme del realtà, che presuppone il dettaglio, nel contesto metamorfico del presente; ci svelano la cocente contemporaneità di un osservatore che ha colto l'unità di misura entropica del mondo ed insieme la sua imperscrutabile soluzione...” / e.g. luglio 2010

2010-09-17T17:17:00.001+02:00

ELISIRart presenta

STEFANO IOANNUCCI PHOTOGRAPHER

Galleria Rilievi . via della Reginella 1a . Roma

dal 13 al 27 settembre 2010

TO REFLECT - BERLIN

2010-08-17T19:57:00.005+02:00

TO REFLECT
a cura di Jelmoni Studio Gallery
in collaborazione con J&J officina creativa ed ELISIRart

CoachingCulture Gallery
Werbellinstrasse, 50
Berlin

dal 4 settembre al 24 settembre 2010
inaugurazione 4 settembre, ore 20,00

Artisti partecipanti:
Gianluigi Alberio, Mario Artioli Tavani, Roberto Ascoli, Franco Barrese, Paolo Buzi, Regina Di Attanasio, Inihccor, Malia, Giulia Marchi, Nani Marcucci Pinoli, Federico Martino Stella, Gualdo Rocco, Marzia Roversi, Paolo Rossetto, Maria Savino, Tiziana Vecchi, Stefano Visora.

Scrive Elisa Govi: “Viviamo un tempo disarmonico, la globalizzazione pervade il sistema dell'arte che a sua volta è da sempre refrattario a definizioni stabili, l' inconscio collettivo di epoche di luoghi diversi lo ha di volta in volta reinventato, e ambizioni universali ed artisti locali continuano a tessere trame di un presente non concluso. Dal decadere di tradizionali certezze e dal vibrare di feconde forze centrifughe, si appresta una ennesima definizione, globalizzata, di pensiero, percezione, di rappresentazione del mondo. E nel mentre? In questo black out spazio-temporale di indefinitezza culturale, dove la discontinuità dei fenomeni ha messo definitivamente in crisi la possibilità di una immagine unitaria e assoluta, l'arte si limita a suggerire un modo di vedere il presente e, vedendolo, acccettarlo, integrarlo alla propria sensibilità. L'arte contemporanea, insomma, è riflesso carpito dalla realtà; non la racconta, la è, ben lungi ancora dal tentativo di comprenderla. Da ciò, l'implicazione di un campo di possibilità interpretative sterminato,
l' inesausta proliferazione di contrasti e opposizioni ad ogni rinnovato sguardo, una eterogeneità che la nostra civiltà va perseguendo come valore prezioso, perché tutti i dati della cultura globale ci inducono a concepire, sentire e dunque vedere il mondo secondo la categoria delle possibilità.

La Mostra “To Reflect”, che prende vita a Berlino, cuore pulsante dell'arte contemporanea europea, dal 4 al 24 settembre 2010, nell'ospitare 17 autori internazionali, esponenti di linguaggi diversi, sarà dunque a sua volta occasione di riflessione sullo stato attuale, del mondo e dell'arte, non rappresentato ma specchiato, nel delicato territorio di incontro tra artista-curatore e contesto: gli spazi della Coaching Culture Gallery, antica birreria dove i segni del tempo paiono assecondare la nostra visione di un contamporaneo dell'arte in evoluzione” e.g./agosto 2010

Angelo Petrucci, del corpo come forma simbolica

2010-08-14T18:32:00.000+02:00

Il corpo e il mondo che lo ospita, le cose e il corpo che le contiene, dipinti; raro oggi non riconoscere, pur tra le pieghe di uno studio d'autore, le impronta troppo forti di percorsi novecenteschi già tracciati e spesso risolti. C'era un tempo nel quale il corpo dipinto restituiva al suo creatore la misura di un rapporto tra il sé, l'altro da sé e la storia di un'arte tutta in divenire. Oggi, la figura ri-creata sembra impotente a rappresentare altro rispetto all'annoiato e decaduto epigono di racconti finiti, o a mutuare forme proprie a linguaggi propri di arti visive contemporanee. Da questo punto di vista, Angelo Petrucci è un unicum, un punto esclamativo lanciato nello stagno dell'apatia nella quale pare immersa l'arte figurativa dipinta. I suoi lavori costituiscono illuminanti chiavi di lettura contemporanee di un soggetto universale nell'arte, perché connaturato all'esistenza, affrontato con una tecnica altrettanto trasversale alla storia. Proviamo a comprenderne le ragioni.
Intanto iniziamo col precisare che Petrucci dipinge, con olio su tela. La evidente formazione accademica si materializza in una misurata consapevolezza del fare, sin dai primi lavori pubblicati, della metà degli anni settanta; i riferimenti culturali assumono il peso di basi in commistione tra loro sopra le quali appoggiare le proprie visioni, non sono mai schemi interpretativi preconfezionati. Il segno è materico, la materia è disegnata...e forma e contenuto raggiungono a partire dagli esordi degli anni ottanta un equilibrio compiuto. E' allora che la ricerca di Petrucci inizia a sostanziarsi di elementi che permangono sino ad oggi, seppure in evoluzione.
Il corpo?: è fatto della stessa materia vitale di cui si compone l'universo. Come parte del tutto, è frammento senza volto, senza nome, sottratto all'identità e al tempo che lo hanno prodotto. Il corpo è parte dell'enigma irrisolto che sottende al mistero della vita e che coinvolge parimenti lo spazio che lo compenetra. "Madre Terra" potrebbe essere il nome destinato ad una di queste essenze impersonali sostanziate del colore della terra stessa. Res e humana sono dunque presenze imprescindibili nelle opere dell'autore, ma in questa riproposizione di molecole di universalità, nulla è concesso al caos disorganizzato: tutto, come in un rebus pronto ad auto-risolversi, ha una precisa ragione di essere in quel luogo, di quel tempo sospeso. Dunque da niente si può prescindere, lo "sfondo" spesso incombe in primo piano, condiziona l'essenza del corpo, pure l'ombra su di esso si fa densa consistenza.
Il complesso tema di forze è leggibile in virtù del delicato equilibrio visuale fra dimensioni, distanze, direzioni, curvature, volumi. Ciascun elemento possiede una forma appropriata in relazione a tutte le altre, fissando così un ordine definitivo nel quale tutte le forze componenti si contengono a vicenda, nessuna di esse può imporre alcun mutamento nell'interrelazione. Il gioco di forze si trova in quiete apparente. Ma il corpo rimane l'elemento propulsivo, vitale, che rompe la permanenza, che è motore di cambiamento; in questo senso, è la chiave di volta di queste composizioni.
Il corpo di Petrucci è sintetizzato, generato dall'espressività gestuale ed emozionale di se stesso. E' tridimensione dipinta, vitale sensualità potenziata dalla memoria, che sublima il reale, lo rende simbolico. Il corpo, dunque, come forma simbolica, richiede una conoscenza che implica volontario avvicinamento, ricerca perseguita, lenta penetrazione: è quella praticata dall'autore, è quella reiterata ad ogni rinnovato sguardo dello spettatore. Arrivati alla scoperta ci si accorge che quel corpo è parte di un tutto, arrivati al particolare, la visione è dunque la stessa del punto di partenza. A cambiare è l'esperienza. Comprendere l'opera, coglierla come totalità, è funzione di una rivelazione, l'immediatezza sospende la dimensione temporale, la visione logica dovrebbe restituirci il motivo di tale rivelazione.
L'avvicinamento alla conoscenza necessita di un medium, di un linguaggio interpretativo. Ecco quindi la presenza costante di grate, elementi geometrici, che spesso incombono sin dalla metà degli anni ottanta, dinnanzi alle presenze umane; costrizioni percettive, ma anche veicoli di comprensione, tentativi di porre una logica alla realtà, caotica e mutevole. L'uomo ha bisogno di regolarità, la impone alla propria visione perché è funzionale, dal punto di vista conoscitivo. Questa rigidità dietro la quale si cela il dis-ordine, ci pone dinnanzi ad un interrogativo che per ora sembra rimanere irrisolto, ovvero di quale sia il rapporto tra le due tendenze cosmiche, quella volta al disordine meccanico e quella volta all'ordine geometrico. Talvolta, colate di sangue informale spezzano le griglie, è la vita che incombe, supera le costrizioni che la ragione prova ad imporsi. Ma Petrucci riesce sempre con maestria suprema ad imporre all'organizzazione della visione il proprio schema strutturale; allo spettatore è restituito un punto di vista, l' osservazione è accompagnata.

Guardando all'intera produzione di Petrucci sin qui svolta, colpisce la coerenza della ricerca nelle direzioni sopra dette, anzi i processi paiono chiarirsi e raffinarsi nel tempo. Accanto ad un procedere dalla semplicità alla complessità dello studio, si ha un procedere dalla confusione verso l'ordine nella consapevolezza dell'indagine. Con il tempo, lo sviluppo, la metamorfosi, presenta un moltiplicarsi di parti dissimili, ma anche un accrescimento della precisione con la quale tali parti sono contraddistinte l'una rispetto all'altra; e ciò è più che evidente se confrontiamo la recente produzione, dal 2008 ad oggi, con quella che la ha preceduta.

I dipinti di Petrucci sono raffigurazioni di enigmi da decifrare, restituiscono la presa di coscienza di una visione d'insieme del realtà, che presuppone il dettaglio, nel contesto metamorfico del presente; ci svelano la cocente contemporaneità di un osservatore che ha colto l'unità di misura entropica del mondo ed insieme la sua imperscrutabile soluzione. Nell'incontro, nell'opera intitolata "Figure" (olio su tela, 2008) forse, la parziale soluzione: lì la grata interpretativa scivola in secondo piano.
Nella fusione con l'altro sopiscono le tensioni interpretative, assecondare placidamente il ciclo naturale rimane per ora l'unica soluzione.

e.g./ luglio 2010

SoWeART! - Libera Rassegna di Arti Visive a cura di ELISIRart

2010-08-11T15:54:00.000+02:00

“SIAMO ARTE, non lo sappiamo perché presi troppo spesso a criticare, giudicare, condannare, perché non sappiamo vedere gli altri come una parte di noi...siamo arte, quasi sempre dimenticata in cantine polverose...” m.l.

L'arte contemporanea è presente immanente, è vita afferrata e trattenuta al volo nell'istante del suo passaggio, ci si diverte a vederla perché non si sa come andrà a finire. Per chi è abituato all'arte del tempo concluso, l'incontro col presente è una vertigine, un delirio temporale, che stimola le reazioni più inaspettate, perché sfugge alla “umana” necessità di categorizzare il pensiero, di ridurlo entro schemi precostituiti già noti. Fastidio, ribrezzo, disappunto, rabbia, piacere, emozione, ilarità: tutto, l'arte contemporanea è un sensibile stimolatore di coscienze.
L'arte è il sangue rosso nelle vene della storia del mondo. E' la stessa sostanza vitale di cui è imbevuto il logo di questa Mostra. Non esistono società senza arte, perché non c'è inconscio collettivo che ne possa fare a meno, le società che la trascurano, la calpestano, che si illudono del contrario, sono destinate a morire dissanguate. L'arte non è un dio, ma una cosa molto umana, terrena. Per viverla, non servono riti d'iniziazione e neppure sacerdoti. Serviamo noi, la nostra consapevolezza di essere uomini del presente. Chi la disprezza, rimpiangendo il passato, non comprende che pure quegli indiscussi capolavori parlano del loro presente. Rimpiangere l'arte del passato significa negare l'oggi e rinunciare al futuro. Significa rinunciare al carburante, gratuito, del progresso e della civiltà.
L'arte contemporanea SIAMO NOI dunque: SoWeArt! Siamo noi, come riusciamo ad intravederci allo specchio del presente, a volte sostenere lo sguardo è faticoso, ma trascurare di guardarsi rimane un'occasione mancata. L'arte è un'espressione necessaria della realtà del mondo e del tentativo di comprenderla, è comunicazione. Ecco perché questa Rassegna, che qui ha inizio, potrebbe idealmente non finire mai, sin quando il presente non avrà fine. E' immaginata e concepita con quattro occhi, circa, ma ci auguriamo sia vista con tanti sguardi diversi, quanti saranno i visitatori.
Che condividiate o meno la visione che da tale incontro scaturirà, aggiratevi in questo spazio bianco concentrando il pensiero, rallentate i movimenti e non perdetevi la brulicante energia che si sprigiona dalla relazione ancora viva tra il luogo in cui l'arte nasce è il luogo in cui l'arte è mostrata. Il passaggio non sarà stato vano se sarete riusciti a pensare con la vostra testa e a godervi l'arte che più sa emozionarvi. Emozioni ed opinioni non sono mai la Verità, ma lasciano una traccia.
Benvenuti a SoWeArt! Libera rassegna di Arti Visive a cura di ELISIRart / e.g.

Gli artisti partecipanti:
Roberta Demeglio – demroby@hotmail.it Edith Dzieduszycka – edith@mclink.it Emanuela Fera – emafera@tiscalinet.it Tito Gargamelli – tito.gargamelli@gmail.com
Gianluca Garrapa – g.garrapa@libero.it Maria Listur – maria.maria@tiscalinet.it Elisabetta Losi – www.incisionielisabettalosi.com Lamberto Melina – www.lambertomelina.com
Mauro Pallotta – maupal2000@yahoo.it Marco Severini – www.marcoseverini.com Emanuele Sgarbi – www.emanuelesgarbifotografo.com Caterina Vitellozzi – www.caterinavit.com